Рабочая программа дисциплины «История искусств»
Скачать 405.06 Kb.
|
7. УЧЕБНО-МЕТОДИЧЕСКОЕ И ИНФОРМАЦИОННОЕ ОБЕСПЕЧЕНИЕ ДИСЦИПЛИНЫ
8. МАТЕРИАЛЬНО-ТЕХНИЧЕСКОЕ ОБЕСПЕЧЕНИЕ ДИСЦИПЛИНЫ
9. МЕТОДИЧЕСКИЕ РЕКОМЕНДАЦИИ ПО ОРГАНИЗАЦИИ ИЗУЧЕНИЯ ДИСЦИПЛИНЫ 9.1. Примерная тематика рефератов Не предусмотрены учебным планом. 9.2. Вопросы для экзамена 1. Назвать и раскрыть особенности основных эпох в истории мирового искусства. 2. Раскрыть понятие художественного стиля. 3. Дать определение историческому развитию в искусстве. 4. Дать характеристику видов и жанров искусства. 5. Назвать хронологию развития мирового искусства. 6. Назвать основных мастеров мировой живописи и их выдающиеся произведения. 7. Назвать основных мастеров мировой скульптуры и их выдающиеся произведения. 8. Назвать основных мастеров мировой архитектуры и их выдающиеся произведения. 9. Раскрыть взаимосвязь изобразительного искусства и архитектуры. 10. Рассказать о происхождении русского искусства и его национальных особенностях. 11. Раскрыть историю изучения, основные эпохи в истории русского искусства. 12. Дать определение средневековому русскому искусству. 13. Назвать выдающиеся памятники искусства средневековья. 14. Дать определение новому русскому искусству послепетровской эпохи. 15. Назвать основных мастеров послепетровской эпохи. 16. Выдающиеся мастера живописи XVIII в. 17. Выдающиеся мастера скульптуры XVIII в. 18. Выдающиеся мастера архитектуры XVIII в. 19. Дать определение русскому барокко. 20. Выдающиеся мастера русского барокко. Живопись. 21. Выдающиеся мастера русского барокко. Скульптура. 22. Выдающиеся мастера русского барокко. Архитектура. 23. Классицизм в русской живописи. 24. Классицизм в русской скульптуре. 25. Классицизм в русской архитектура. 26. Реалистическое искусство в России XIX в. 27. Модерн в русском искусстве XX в. 28. Авангард русском искусстве XX в. 29. Основные мастера и направления в искусстве Нового времени России. 30. Основные мастера и направления в искусстве Новейшего времени России. 31. Тенденции в развитии современного российского искусства. 32. Новые технологии художественного творчества в современном русском искусстве. 33. Новые формы художественного творчества в современном русском искусстве. Приложение №1 к рабочей программе по дисциплине «История искусств» для бакалавров направления подготовки 270900.62 «Градостроительство» Раскрытие сложной лекционной темы «Историческое развитие в искусстве, характеристика видов и жанров искусства, хронология развития мирового искусства» Вопросы:
Искусство как основа художественной культуры, как способ освоения и познания мира. Пространственные, или пластические, виды искусств: архитектура, декоративно-прикладное искусство, живопись, графика, художественная фотография; способы воспроизведения действительности, художественные задачи, специфические материальные средства создания образа. — Временные виды искусств: музыка и литература. Синтез и взаимодействие искусств в пространственно-временных видах: театр, кино, хореография, телевидение, искусство эстрады. — Общее в семействе пространственных искусств: оперирование объемно-пластическими материалами в трехмерном или двухмерном пространстве. Различное в семействе пространственных искусств: построение художественного образа мира на неизобразительных путях в архитектонических искусствах (архитектура, декоративно-прикладное, дизайн) и построение художественной формы на изображении в изобразительных искусствах (живопись, скульптура, графика). — Перспектива как способ изображения объемных тел на плоскости: параллельная, обратная, линейная, световоздушная, сферическая. Четыре основных метода пространственных построений на плоскости изображения. Композиция как построение художественного произведения и как функция передачи смысла. Роль местоположения элементов изображения, их освещенности, цветотональных контрастов, колорита, моделировки объемов в композиции произведения искусства. «Взгляните на лицо» – так назывался документальный фильм Павла Когана и Петра Мостового, получивший приз Международного кинофестиваля в Лейпциге в 1966 году. Поставив скрытую камеру в Эрмитаже за картиной «Мадонна Литта» Леонардо да Винчи, они снимали людей в минуты душевного подъема и сосредоточенности – в минуты встречи с прекрасным. Еще до просмотра этого фильма невольно представляется храмовая гулкая тишина музейных залов, лица многих людей, просветленных свиданием с гением. Такие лица есть: вот аристократически тонкое лицо старика; вот немного усталое, задумчивое лицо матери, что-то объясняющей сыну-подростку; вот почти боттичеллиевское нежное лицо юной девушки. Но у этого фильма есть и неожиданности, которые нельзя придумать, которые могут рождаться только из жизни. Да, была великая картина, были и есть люди, которых поражает мудрость красоты, но встреча с гением стала испытанием и человеческой сущности зрителей. Уже в синхронной записи реплик экскурсоводов иногда звучит заурядность комментариев, принижающих картину до уровня недалекого зрителя. Вот откровенно скучающие школьники; вот туристы, которые видят полотно сквозь объектив фотоаппарата; вот зритель, который пришел «отметиться», – он торопливо пробегает по залу, мимоходом бросив взгляд на картину. Но было и нечто общее в этом разношерстном потоке: лица всех представали в какой-то удивительной обнаженности, как в минуты сильных потрясений. И рассказ о живой и страстной силе картины, волнующей людей много веков, стал рассказом и о людях, о времени. Такое же разнообразие лиц и впечатлений можно было увидеть на выставке одной картины – «Джоконды» Леонардо да Винчи в Музее изобразительных искусств им А.С. Пушкина в 1974 году, когда ради 15 секунд, отпущенных на «свидание» с Моной Лизой, люди выстаивали долгие часы. Длинные сосредоточенные молчаливые очереди были вообще приметой 60-х – 70-х гг, будь это выставка работ юной Нади Рушевой, своеобразные ретроспективы картин Ван Гога или Анри Матисса, открытие не известного доселе мира художников «Амаравеллы» или малоизвестных тогда в России «индийских» картин Николая Рериха. Не менее яркой страницей в духовной жизни россиян стало явление «Сикстинской мадонны» Рафаэля: чтобы увидеть эту огромную (2,65х1,96м), по сравнению с «Джокондой» картину, выстраивались многокилометровые очереди, некоторые зрители приходили по второму-третьему разу. И впечатления тоже были разные: от восторга до равнодушия, что совсем не удивительно, потому что классика не дана нам раз и навсегда, как застывшее понятие о прекрасном. Ярким примером разного восприятия прекрасного в искусстве служат отзывы как раз о «Сикстинской мадонне». Русский поэт Василий Жуковский полагал, что эта картина родилась в минуту чуда; художник Иван Крамской считал, что Мадонна Рафаэля – великое и вечное произведение; Иван Репин резко отзывался о творчестве художника в целом. Критику В. Белинскому Мадонна вообще показалась недоброй, высокомерной, а младенец-Христос – будущим богом гнева и наказания. Но он же заключает свой отзыв так: «Но что за благородство, что за грация кисти! Нельзя наглядеться!» А великий композитор Роберт Шуман сказал так: «Образованный музыкант сможет с такой же пользой учиться на рафаэлевской Мадонне, как художник на симфонии Моцарта. Больше того: для скульптора каждый актер становится неподвижной статуей, для последнего же произведения скульптора – ожившие фигуры, для художника стихотворение превращается в картину, музыкант воплощает картину в звуке». Величайшие произведения искусства есть в любой эпохе. Обращенность к мысли и душе человека, доверие и любовь к нему, страстное желание воспеть его составляют силу подобных произведений, т.к. они олицетворяют жизнь. Вспомним рассказ Глеба Успенского, написанный в конце XIX века. В нем поведана история духовно уставшего, сломленного человека, которому помогло «выпрямиться» художественное совершенство Венеры Милосской, увиденной им в Лувре. Такие шедевры раскрывают истинную красоту – красоту на века. А зачем человеку XXI века, живущему в очень динамичном, подверженном постоянным переменам, загнанном в Интернет и медийные средства обмена и извлечения информации, мире вечная красота? Ведь красивые картинки у нас постоянно перед глазами: на экране телевизора, в гламурных журналах, в навязчивой уличной рекламе, в витринах магазинов. На этот сегодняшний вопрос философ-эссеист Бальтасар Грасиан ответил еще в самом начале XVII в.: «Даже красоте надо помогать, даже прекрасное станет уродством, ежели не украшено искусством, что удаляет изъяны и полирует достоинства. Природа бросает нас на произвол судьбы – прибегнем же к искусству! Без него и превосходная натура останется несовершенной». И далее: «Для вкуса, как и для ума, необходима культура. Кто тонко чувствует, тот острей жаждет лучшего. Глубина понимания узнается по высоте устремления». Ответ этот актуален всегда: высокий уровень произведений искусства – главное свидетельство высокого уровня бытия, физического и духовного, распространяющегося на все сферы жизни человека. Для понимания и освоения богатства художественной культуры разных времен и народов необходима не только пластичность сознания, но и знание природы, родов и видов искусства, их структуры и предназначения. В нашем курсе предполагается знакомство с пространственными видами искусства, т.е. теми, которые оперируют объемно-пластическими материалами в двухмерном или трехмерном пространстве. Эти виды искусств, которые еще называют пластическими, можно разделить на изобразительные (живопись, скульптура, графика) и архитектонические (архитектура, декоративно-прикладное искусство, дизайн). На каком основании? На основе того, как строится в них художественный образ мира. Принцип создания художественной формы в изобразительных искусствах – само изображение. Причем если во времена классики речь шла о зримом, ощутимом подобии предмета его изображению, то модернизм утвердил и принцип изображения впечатления от предмета, особенно в живописи. В архитектонических искусствах изображение, как таковое, отсутствует, здесь мы говорим об образе, т.к. создание художественной формы идет на неизобразительных путях, а смысл вещей и предметов (храм, кувшин, дизайнерская одежда) проявляется косвенным путем: ассоциация, впечатление и т.п. К примеру, известные архитектурные образы – Парфенон, Колизей, Великая Китайская стена, Шартрский собор, Адмиралтейство, Кремль – являются своеобразными портретами целых эпох и народов. А живопись – это не сама вещь или предмет, а иллюзия материи. Для неё объект видится сквозь призму цвета (ведь черный и белый – это тоже цвета) при несомненной важности линии и объема. Пластика цвета способна выразить все многообразие явлений, передать объем, окраску, свет, глубину, пространство. Цвет является душой живописи, но он выступает в союзе с линией: именно она ритмически организует пространство. Свет, выявляя тон и тембр цвета, придает ему новое звучание. Вот почему у японца Хокусая волны графичные, у импрессиониста Клода Моне море растворено светом, а у близких к реализму Гюстава Курбе и Ивана Айвазовского волны объемны и весомы. Временные искусства – музыка и литература – никакой материальной опоры в вещном мире не имеют. В основе литературы – вербальная знаковая система, музыки – стихия чувств и звуков, закрепленных в звукоряде с помощью приемов звукозаписи, т.е. нот. Пространственно-временные искусства – театр, цирк, кино, танец, пантомима – по природе своей синтетичны: основа их предметна, она включена в пространственную среду и развивается во времени. Вспомним, например, титры любого кинофильма: литературу, т.е. сюжет, представляет сценарист, живопись (а зачастую и скульптуру и архитектуру) – художник-декоратор, музыку – композитор. Танец, театральные эффекты, цирковые элементы тоже легко включаются в художественную ткань фильма. Важное значение в живописи имеет способ изображения объемных тел на плоскости – перспектива. Выделим четыре основных метода пространственных построений на плоскости: 1) чертежный; 2) метод локальных аксонометрий и их трансформаций; 3) центральная линейная перспектива в искусстве Возрождения; 4) центральная криволинейная перспектива, появившаяся на рубеже XIX-XX вв. Для получения изображения предмета на плоскости проводят из выбранной точки пространства – центра перспективы – лучи ко всем точкам данного предмета. На пути лучей ставят ту плоскость, на которой хотят получить изображение; в пересечении плоскости с проведенными лучами получают искомое изображение. Перспективные изображения параллельных прямых пересекаются в точках схода, а параллельных плоскостей – в линиях схода. Первобытному искусству присущи условно-символические формы за счет сочетания фронтальных и профильных разворотов, античному – построения, имеющие главный центр проекции, в живописи Китая и Японии центр проекции как бы удален в бесконечность, поэтому перспективные линии не сходятся, и это параллельная перспектива. Для искусства Средневековья характерна обратная перспектива, т.е. предметы представлены увеличивающимися по мере их удаления от переднего плана. В искусстве Возрождения мы наблюдаем, напротив, пропорциональное уменьшение предметов по мере их удаления от переднего плана благодаря единой точке схода по линии горизонта – это последовательная система перспектив. У импрессионистов световоздушная перспектива позволяет передавать изменение цвета в зависимости от степени удаления в пространстве, а К. Петров-Водкин явил синтетический образ мира за счет нескольких точек зрения на один предмет, наклона вертикальный осей к центру и разворота плоскостей к переднему плану. Чтобы художественное произведение обладало прекрасным качеством целостности, очень важно его построение, т.е. композиция. Она обусловлена его содержанием (сюжетом или темой), назначением, расположением и взаимосвязью его частей, линий, пятен света и цвета. Композиция выстраивается на сопоставлении всех деталей с главным сюжетно-тематическим центром. Композиционный центр – это место изображения главных действующих лиц и аксессуаров. Оно выделяется местоположением, освещенностью, моделировкой объема элементов изображения, колоритом, цветотональными контрастами. Он может быть заполнен или пуст, может совпадать и не совпадать с геометрическим центром. Важнее всего в композиции – жизненность, выразительность. В дальнейшем, обращаясь к творчеству того или иного художника, мы будем уделять композиции и перспективе особое внимание. Жанр как исторически сложившаяся устойчивая разновидность художественного произведения. Виды жанров в живописи по предмету изображения: пейзаж, портрет, натюрморт, сюжетно-тематическая картина. Жанровые разновидности: пейзаж – марина, сельский, городской, индустриальный, фантастически и т.п.; натюрморт – с цветами, со снедью, с вещами; сюжетно-тематические картины – историческая, бытовая, батальная, анималистическая, интерьер и т.п.; портрет: автопортрет, групповой портрет, портрет-тип. Графика: рисунок, печатная графика. По назначению и содержанию – станковая, журнально-газетная, плакат, книжная иллюстрация, промышленная графика. Виды эстампов по принципам печати: высокая печать (ксилография, линогравюра). Глубокая гравюра (офорт, резцовая гравюра на металле); плоская печать (шелкография). — Стилевая карта как собирательный образ эпохи. Компоненты стилевой карты: архитектурное сооружение или его элементы; виды орнаментов; символы и знаки; предметы интерьера; предметы одежды или обуви; растения или животные. Стилевая карта как пример синтеза искусств и синергетического подхода к изучению эпохи. Характерная черта изобразительных искусств – видимое сходство, подобие образа и реальности. В скульптуре оно достигается пластикой объемных форм, в живописи – красками на плоскости, в графике – линиями и пятнами в условном цвете. Жанр, как исторически сложившаяся разновидность художественных произведений, появился только в конце XV – начале XVI в. В живописи жанры различаются по предмету изображения: пейзаж, натюрморт, портрет, сюжетно-тематическая картина. Границы между жанрами не всегда четкие. К примеру, «Джоконда» Леонардо да Винчи – это не просто портрет, а портрет с пейзажем. «Поле маков» Клода Моне – не пейзаж в чистом виде, т.к. на картине присутствует изображение людей. «Ночной дозор» Рембрандта – это групповой портрет или сюжетно-тематическая картина? В пользу первого говорит выстроенность композиции, в которой размещены шестнадцать офицеров стрелковой роты бюргерской полиции Амстердама. Однако художник включил в группу военных более 30 посторонних персонажей, а центральный персонаж, капитан Кок, хотя и написан в духе репрезентативного портрета, но его внутреннее взволнованное состояние нарушает каноны этого жанра. Пейзаж изображает мир подвижного, находящегося в движении или способного двигаться, изменяться. Неподвижные предметы включаются в него лишь для того, чтобы выявить, контрастно подчеркнуть живую изменчивость природы. В пейзажах некоторых художников, например, Архипа Куинджи («Березовая роща», «Лунная ночь на Днепре») или Исаака Левитана («Над вечным покоем», «Вечерний звон», «Март» и др.) человеческие фигуры отсутствуют. А та единственная, что есть на картине Левитана «Осень. Сокольники» была пририсована братом А. П. Чехова. Безлюдны и пейзажи импрессиониста Альфреда Сислея. А в картине «Деревня на берегу Сены» неподвижный дом только сильнее оттеняет подвижность и изменчивость речной стихии. По мере развития пейзажа как жанра появились его разновидности: марина, т.е. морской, наиболее ярко проявивший себя в творчестве И. Айвазовского; сельский – с преимущественным изображением полей и нив; городской, на котором мы видим, в основном, архитектурные ансамбли, улицы, площади как, например, виды Венеции на картинах Каналетто. Отдельные фигурки людей и животных, небольшие сюжетные сценки в пейзажной композиции являются стаффажем, т.е. средством дополнения и оживления. В противоположность пейзажу, мир натюрморта – это мир искусственной реальности, мертвой природы. Всё живое в натюрморте становится мертвым: чтобы попасть в него, цветы должны быть срезаны, плоды и фрукты – сорваны, звери и птицы – убиты, морские животные – выловлены. Русский художник К. Петров-Водкин считал, что «натюрморт – это одна из острых бесед живописца с натурой. В нем сюжет и психологизм не загораживают определения предмета в пространстве». Подлинную самостоятельность натюрморт обрел в начале XVII в. во Фландрии: на картинах Ф. Снейдерса, П. Класа, В. Кальфа и других мы видим разнообразие даров природы – это натюрморты с цветами и снедью. Блестящие образцы натюрморта оставил в своем творческом наследии Илья Машков. Но есть и другая разновидность натюрморта – с вещами, на которых изображены предметы из металла, дерева или фаянса, как у испанского художника Сурбарана, или «Натюрморт с драпировкой» Сезанна, а также «Атрибуты искусств» Шардена. Но, пожалуй, одним из старейших жанров является портрет, который подразумевает не только изображение лица или фигуры, но выражает целый мир личности, индивидуальности. Первые портреты были скульптурными и являлись, по сути, посмертными масками, которые отливались в Древнем Египте. Мы знаем также портреты Эхнатона и Нефертити из мастерской Тутмеса, довольно статичные скульптурные портреты Древней Греции, безжалостные в своей правдивости портреты жестоких римских императоров – Нерона, Каракаллы, мозаичные портреты византийских правителей. Расцвет искусства портрета начинается в эпоху Возрождения, наиболее ярко проявившись в творчестве Леонардо да Винчи, Рафаэля, Тициана, Дюрера, скульптурном портрете Микеланджело. С тех пор портрет (и автопортрет) – один из самых популярных жанров в живописи на всех континентах, это десятки тысяч полотен, в совокупности составляющих своеобразное лицо времени. Велико и жанровое разнообразие сюжетно-тематической картины: историческая (достаточно вспомнить полотна И. Репина и В. Сурикова); батальная (картины В. Верещагина), анималистическая (с изображением животных), бытовая, в жанре которой работали многие русские художники-передвижники, например, В. Перов, А. Саврасов, К. Маковский, отображающие на своих полотнах повседневную жизнь разных слоев общества. Скульптуру по форме изображения различают круглую (статуя, оплечный, погрудный или поясной бюст) и рельеф, который может быть низковыпуклым – барельеф, и высоковыпуклым – горельеф. Она может быть также станковой, имеющей самостоятельное и художественное значение, и монументальной – памятники выдающимся людям, декоративная скульптура (например, в парках Версаля или Петергофа, в Летнем саду или в Люксембургском саду), рельефы на зданиях. Скульптура малых форм изготавливается, в основном, в виде жанровых статуэток, игрушек, настольных портретных изображений из фарфора, фаянса, металла, кости, пластмассы, камня, дерева и т.п. С искусством графики мы сталкиваемся буквально на каждом шагу в повседневной жизни: вот книга, вот карикатура в газете или журнале, вот реклама, а вот упаковка товара. Самый характерный признак графики – активное использование линии в противоположность точке как первооснове живописи. В станковой графике, в основе которой лежит рисунок, работа выполняется на бумаге карандашами, тушью, сангиной, углем и т.п. В этой технике делаются книжные иллюстрации, плакаты, промышленная графика и журнально-газетная. Печатная графика – гравюра – выполняется на дереве, линолеуме, металле. В этой технике успешно работали А. Дюрер и П. Рубенс. Труднее всего подразделить на жанры архитектуру: скорее речь идет о разновидностях, которые связаны с разнообразием форм архитектуры и её функций. Можно выделить собственно зодчество – жилые постройки (изба, дом, усадьба, дворец, отель) и общественные сооружения (культовые здания, театры, стадионы, школы и т.д.); архитектуру крупных и малых форм – мир экстерьеров в виде оград, решеток, пропилей, фонарей, остановок и т.п. Особую разновидность составляют промышленные и монументальные объекты – заводы, фабрики, мосты, метро, виадуки, набережные, триумфальные арки, обелиски и т.п.; их отличает масштаб, сложность конструкции и значительная роль в градостроении, в инфраструктуре поселений. Архитектура часто использует элементы изобразительности в ордерной системе, применяя различные орнаменты, а также скульптурные рельефы. Так происходит слияние различных видов искусств в некоем синтетическом образе с новой, но не утрачивающей черты каждого из них, структурой. Как ориентироваться в необозримом мире произведений искусства, что их связывает или разъединяет? Исследователи выдвинули понятие стиля как наличие устойчивых художественных признаков, которые присущи искусству (а также литературе, музыке. театру) той или иной эпохи. Мы говорим: античный стиль, романский, готический, стиль Ренессанса, барокко, рококо, ампир, модерн. Но это не значит, что у зарождения этих стилей или их исчезновения есть конкретный день, месяц и год. Как правило, один стиль заканчивает свое существование когда другой уже входит в силу. «Высокий Ренессанс уже на три четверти барокко», – писал художник и искусствовед Игорь Грабарь. Принято говорить, что XVII век – это эпоха барокко. Не только в живописи, но и в скульптуре, архитектуре видна причудливая фантазия, пышность, парадная торжественность. Но одновременно с барокко во Франции рождается другой стиль – классицизм, основанный на законах разума, и Версаль впитал в себя и пышность барокко, и «регулярность» классицизма. А куда включить творчество выбивающихся из всех рамок и стилевых канонов Караваджо, Эль Греко, Веласкеса, Рембрандта? Период с конца XVI до конца XVII в., при всей кажущейся однородности, совмещает в себе различные тяготения, поэтому границы жизни того или иного стиля условны. Стиль можно определить как художественное переживание времени, имеющее общие (но и различные) черты, а стилевую карту – как собирательный образ эпохи. Для любого стиля характерна формализация и известная унификация художественной выразительности, тем не менее, стилевая карта – важный синергетический аспект в преподавании истории искусства. Стиль любой эпохи и культуры характеризует обязательность взаимосвязи между архитектурой, скульптурой, предметами декоративно-прикладного искусства, костюмом, аксессуарами, орнаментикой. Несмотря на разницу в материалах, назначении и масштабах, они следуют сходным законам формообразования, символическим системам, а нередко и единым принципам композиции. В стилевой карте Древней Греции мы видим взаимосвязь ордерной системы колонн с формой архитектурного сооружения, драпировка женского костюма из вертикальных складок ассоциируется с каннелюрами колонн, табурет с орнаментальным рисунком и пальметтки орнамента говорят о влиянии Востока. Представим, как может выглядеть стилевая карта Японии. Архитектурная составляющая – жемчужина синтоистского храмового зодчества – святилище Исэ с воротами-ториями. Или Золотой храм в Киото, а может, замок Белой цапли времен самураев. Силуэт синтоистского храма или пагоды будет перекликаться с силуэтом японского костюма – многослойного, широкого, убывающего по длине; подол его развевается, закругляется плавными завитками как крыши храмов, павильонов и дворцов. В центр можно поместить узел-иероглиф, «плетенка» которого олицетворяет единство Неба и Земли. Зеркала в форме цветка лотоса, орнамент в форме нами – морской волны – дополнят образный строй. …Последний «большой стиль», черты которого отразились в архитектуре и живописи, скульптуре и мебели, книжной графике и одежде, в рекламе и ювелирном искусстве, – это модерн в его многочисленных вариациях. Быть может, век новых материалов, компьютерных и космических технологий подарит нам новый стиль? Поживем – увидим. | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
Похожие:
 | Программа государственного экзамена по специальности 070601 «Дизайн» Экзаменационные билеты включают наиболее важные вопросы, имеющие междисциплинарный характер, находящиеся на стыке таких дисциплин,... | | Рабочая программа дисциплины «История пространственных искусств» Целью данного курса является Программа курса «История пространственных искусств» предназначена для студентов бакалавров III и IV... |
 | Программа по формированию навыков безопасного поведения на дорогах... Методика преподавания истории искусств «История искусств» — 035400. 68 «история искусств» Форма подготовки очная | | Программа учебной дисциплины «история искусств» «История искусств» является приобретение студентами знаний в области морфологии искусства и основных тенденций, включая современные,... |
| Рабочая программа «Беседы об изобразительном искусстве» «Введение в культурологию» руководителя Пивень В. Н., а также программы «История искусств» составители Карев А. А., Дажина В. Д.,... | | Рабочая программа «Беседы об изобразительном искусстве» «Введение в культурологию» руководителя Пивень В. Н., а также программы «История искусств» составители Карев А. А., Дажина В. Д.,... |
| Программа учебной дисциплины «история изобразительных искусств» «История изобразительных искусств» является приобретение студентами знаний в области морфологии искусства и основных тенденций, включая... | | Программа профессиональной переподготовки «Всеобщая история искусств» Программа соответствует федеральному государственному образовательному стандарту высшего образования к результатам освоения образовательных... |
| Рабочая программа дисциплины «История искусств» Федеральное государственное бюждетное образовательное учреждение высшего профессионального образования | | Рабочая программа дисциплины «История искусств» Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего профессионального образования |
| П. П. Гнедич всемирная история искусств Текст печатается по изданию: Гнедич П. П. История искусств с древнейших времен. Спб.: Изд. А. Ф. Маркса, 1885 | | Основная образовательная программа высшего профессионального образования... ... |
| «Б 10 История пространственных и пластических искусств (живопись,... Цель преподавания дисциплины: изучение истории пространственных и пластических искусств в контексте развития мировой культуры | | Программа дисциплины опд. Ф. 04 Теория и история искусств специальность... Курс теории и истории искусств призван вооружить студентов способами анализа явлений искусства в соответствии с актуальными проблемами... |
| Цель освоения дисциплины: формирование у студентов основ эстетического... Место дисциплины в структуре ооп: дисциплина тесно связана с изучением дисциплин и «Философия», «Отечественная история», «История... | | Программа по. 02. «История искусств» уп. 01. «История народной культуры... Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «детская школа искусств» |
